Hola!!

Aqui creo mi nuevo Blog para poder comentar y comunicarnos desde casa de una forma fácil y cómoda.

Estamos en contacto.

Un saludo.

OPINIÓN PERSONAL

Esta asignatura nos ha ayudado mucho en todos los aspectos. Ha sido una asignatura de larga duración lo que nos ha permitido que podamos aprender más conceptos e indagar mucho más sobre ellos.

Uno de los principales conceptos que he aprendido ha sido a “leer imágenes”. Y cuando hablo de leer imágenes no me refiero a verlas y entenderlas, sino a saber que nos quieren expresar, como nos lo quieren decir, y sobretodo, que se encuentran detrás de estás imágenes.

También creo haber aprendido a enseñarles a los alumnos a que se suelten y sean creativos y que no tengan miedo a dibujar o a realizar cualquier actividad artística. He aprendido a enseñarles que deben tener su propia opinión crítica de las cosas y que no se crean lo que la gente le diga, sino que aprendan a investigar para luego opinar.

Las prácticas han sido muy amenas y divertidas, aprendiendo a dibujar de forma rápida y sencilla. Esta asignatura también me ha ayudado a mejorar la relación con mis compañeros, perder la vergüenza delante de personas que no conocía, y a desarrollar mejor las capacidades de trabajo en grupo de forma armoniosa.

El trabajo que más me ha gustado a sido el “¿quién soy?” ya que me ha parecido una forma muy original de aprender a elegir la información necesaria y a utilizar las imágenes de otra forma de la cual no estábamos acostumbrados.

Como crítica podría decir que me ha parecido una asignatura un poco pesada, agobiante, ya que siempre teníamos trabajos entre manos, proyectos, y sobretodo el blog que me ha retenido muchas horas delante del ordenador, primero para aprender a utilizarlo y luego para publicar todo los apuntes.

En definitiva, la asignatura no ha sido aburrida como siempre había pensado sino que ha sido entretenida y divertida, aunque a su vez estresante.

TEMA 8: LA EVALUACIÓN EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA

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Es un proceso muy importante y necesario en la enseñanza.

Evaluar a un alumno es un concepto muy diferente a calificar. Evaluar es valorar la evolución de los niños tanto en los procedimientos aprendidos como en la destreza de las materiales, y calificar es poner una nota a esa evolución.

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La evaluación es un proceso muy importante en la educación artística, y en la educación en general ya que nos permite mejorar tanto al alumno como al profesor variando sus procedimientos de enseñanza si fuera necesario.

En primaria es necesario evaluar, para orientar al alumno para que mejore en su desarrollo, para informar de su evolución tanto al propio alumno como a los padres interesados, para que ellos mismo puedan ser capaces de auto-evaluarse, y por último para obtener una calificación.

La evaluación consta de tres fases o etapas: Inicial, Formativa, Sumativa.

  • La evaluación inicial es muy importante ya que se utiliza para conocer los conceptos que tiene el niño aprendido de antes. Además nos permite conocer si el alumno posee algún concepto erróneo ya sea de cursos anteriores o de fuera, para así poderlos cambiar con el tiempo. Un concepto que tienes los niños equivocados es que piensan que el que sabe dibuja es porque ha nacido con ese don. Lo que hay que intentar enseñarle es que con buenos materiales y dedicación cualquiera puede saber dibujar ya que eso no se trae de nacimiento.

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  • La evaluación formativa se realiza de forma continuada durante todo el curso y así nos puede explicar todo lo que va sucediendo. Sirve para detectar los problemas que pueden surgirle al alumno y adaptar los procedimientos de enseñanza a estos problemas. Es decir, no sirve para controlar sino para entender, corregir y mejorar tanto al alumno como al docente.

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  • La evaluación sumativa es también conocida como evaluación final. Aquí se tiene en cuenta todo lo realizado durante el curso. Se va a evaluar si el alumno ha sido capaz de adquirir los conocimientos básicos para pasar de curso. En esta evaluación existe una calificación de todo.

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Existen nuevos conceptos sobre la evaluación.

No sirve de nada enseñar al alumno algo y que el lo repita, como un loro, sin mayor complejidad puesto que así solo lo memoriza y no se aprende nada.

Como dice Fernando Hernández “no sirve aprender una materia si no se entiende o no se utilizarla”. Para que no ocurra esto hay que intentar pasar a problemas reales para buscar una solución válida por uno mismo. Esto mismo se puede ver representado en que antiguamente uno aprendía una profesión y se perfeccionaba, pero hoy en día las profesiones van cambiando y hay que ir sabiendo cambiar a la vez.

Para todos, un examen final es lo más importante pero en la educación primaria no se tiene en cuenta solo la calificación de la evaluación final, sino que también se tiene en cuenta los procedimientos del aprendizaje.

Básicamente, tenemos que empezar por aprender a aprender para que en un futuro puedan resolver los problemas sin ninguna dificultad.

Tenemos que enseñar a que los alumnos sepan hacer las cosas lo mejor posible, utilizando las técnicas y materiales perfectamente y que no tengan en cuenta la importancia de la técnica sino el resultado obtenido con ella.

Además tenemos que enseñarle donde buscar la información que necesiten ya que existen multitud de recursos disponibles como pueden ser enciclopedias o internet.

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Debemos evitar a la hora de evaluar que nuestra calificación sirve de presión o de humillación. No podemos hacer que nuestra calificación sea una calificación definitiva ya que se puede ir mejorando. No establecer comparaciones negativas entre alumnos, como mucho entre trabajo para ver las diferencias, pero nunca entre personas.

Podemos saber que gracias a la mala función como docente de muchos maestros, existen grandes personas que en su día en la escuela fueron humillados y cateados. Este es el caso de Van Gogh o del mismísimo Einstein.

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Obra de Van Gogh

Lo que necesitaban estos artistas era que el maestro les pudiese ayudar, diciéndole donde se equivocaban, donde mejor, o como hacer lo que no sabían, y no lo que hicieron sus maestros, calificarlos.

Podemos dar críticas a los trabajos porque si un trabajo esta mal, hay que decir que esta mal, pero aportando ideas para poder cambiarlo y mejorar en su aprendizaje.

Debemos tener claro que es lo que queremos que los niños aprendan, tener claro nuestro criterio de evaluación pensando en que queremos enseñar, como lo vamos a utilizar..

Para ello hay varios criterios de evaluación posibles dependiendo de la materia enseñada. Además hay que tener claros unos ciertos de criterios comunes para todas las asignaturas como pueden ser una presentación limpia y ordenada, capacidad para explicarse y aplicación de conceptos aprendidos, etc…

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Estos criterios tienen que estar condicionados por el curso, la edad, el nivel,…, donde se vayan a utilizar. No podemos utilizar los mismos criterios para un niño de 6º curso en una zona bien situada, que para un niño de 2º curso en una zona de pobreza cultural.

Existe otro error que se comete comúnmente en las escuelas a la hora de evaluar, y es la de guiarse por los gustos.

No debemos dejarnos influir por los gustos propios a la hora de evaluar, porque no seria justo para los alumnos ya que dos trabajos pueden estar perfectamente realizado pero como uno te gusta más que el otro, parece que esta mejor. Por ello hay que tener unos criterios perfectamente definidos e intentar valorar el trabajo por los procedimientos, las técnicas utilizadas, las proporciones, colores, etc. y no por lo que nos llame más la atención.

Debemos tener en cuenta un montón de aspectos para realizar una buena evaluación: datos/hechos, conceptos, procedimientos, actitudes, procesos… Pero estos aspectos tiene que estar bien explicados para que el niño los pueda desarrollar, porque hay veces que no se le explica claramente al alumno lo que se le esta pidiendo.

Los procedimientos también son muy complicados a la hora de evaluar ya que no existe ningún criterio concreto que nos explique que es lo que esta bien o mal en estos casos.

También es bastante difícil evaluar las actitudes del alumno como puede ser el interés del alumno o la creatividad, son aspectos verdaderamente complicados pero que van a ser fundamentales para del desarrollo del niño.

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Existen dos maneras fundamentales de evaluar:

  • Evaluando instrumentos puntuales: pueden ser cuestionarios, exámenes, test, etc…  Estos son muy importantes en todas las asignaturas, pero en educación artística en particular, no son demasiado eficientes. Nos interesa más las producciones artísticas de los alumnos ya que así aprenden a mirar, a trabajar con las imágenes. También pueden trabajar en grupo donde les va a parecer una experiencia más amena y divertida. Además se va intercalando obras artísticas con proyectos de trabajos, donde aprende a buscar información y a procesarla debidamente.
  • Evaluando procesos: son los típicos cuadernos o diarios tanto del profesor como del alumno, donde se van apuntando el trabajo diario de la asignatura, las dificultades que aparecen, etc.

Tenemos que evaluar de diferente manera, es decir, haciendo diferentes pruebas ya que sino el alumno se acostumbra a ese tipo de prueba y no aprende a desenvolverse en otras. Además utilizando distintos tipos de pruebas se evalúan mayor número de aspectos del aprendizaje.

Existen diferentes procedimientos de la evaluación. El primero puede ser el de plasmar casi a la perfección lo enseñado, es lo que conocemos como copia o repetición.

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Y el otro procedimiento donde se intenta reconstruir algo, investigar en ello y crear tu propia versión. Este tipo de evaluación de procedimientos es más productiva ya que el alumno aprende más.

Hasta ahora hemos considerado la evaluación como un tema especialmente dedicado para el docente, pero durante toda su vida los niños no van a tener a un profesor para que les explique lo que esta bien o mal. Por eso es muy importante es que los niños aprendan a evaluarse y para ellos tenemos 4 formas:

  • La Autoevaluación
  • La evaluación conjunta
  • La evaluación en grupo
  • Triangulación (consiste en recoger información desde diferentes puntos de vista).

Debemos implicar a los alumnos en la evaluación para que en el futuro ellos puedan decidir sobre los problemas que le surjan.

CRITICA A LOS CRITERIOS DE EVALUACIÓN

Después de haberme leído la documentación de la LOE, he decidido que el mejor ciclo para desarrollar su evaluación es el tercer ciclo.

1. “Buscar, seleccionar y organizar informaciones sobre manifestaciones artísticas del patrimonio cultural propio y de otras culturas, de acontecimientos, creadores y profesionales relacionados con las artes plásticas y la música”.Este me parece un punto muy importante ya que podemos inculcarle al niño a que se interese por el patrimonio y las culturas que conviven en el aunque solo sea a través de las artes y la música. Además a los niños siempre les gusta saber cosas nuevas e interesantes de donde viven. Con este punto también acostumbramos a los alumnos a que se muevan buscando información de los diferentes tipos de recursos, lo que le va a ser muy útil para años futuros.

2. “Formular opiniones acerca de las manifestaciones artísticas a las que se accede demostrando el conocimiento que se tiene de las mismas y una inclinación personal para satisfacer el disfrute y llenar el tiempo de ocio”.Considero este punto también de gran importancia ya que hace que el alumno se capaz de crear su propia opinión critica y personal hacia las obras artísticas. Para ello hay que enseñarlo desde pequeño a saber mirar el arte y para que no sea una tare difícil y aburrida.

3. “Reconocer músicas del medio social y cultural propio y de otras épocas y culturas”.

4. “Ajustar la propia acción a la de los otros miembros del grupo en la interpretación de piezas musicales a dos o más partes y de danzas”.

5. “Registrar la música creada utilizando distintos tipos de grafías”.

Puesto que estos 3 puntos no pertenecen a las artes plásticas sino que pertenecen a la música no voy a hacer ningún tipo de crítica.

6. “Realizar representaciones plásticas de forma cooperativa que impliquen organización espacial, uso de materiales diversos y aplicación de diferentes técnicas”.Veo este punto como un aspecto importante ya que le va a servir (como he explicado con anterioridad) para hacerse más fácilmente con el uso de los materias y técnicas diferentes, lo que también le va a servir para desarrollarse mejor y poder utilizarlas en un futuro con mayor facilidad.

7. “Comprobar las posibilidades de materiales, texturas, formas y colores aplicados sobre diferentes soportes”.Con esto se promueve la utilización de todas las técnicas aprendidas con anterioridad para el desarrollo de las actividades plástica y poder ir obteniendo resultados sorprendentes. También va a ser útil para no tener problema si aparecen técnicas nuevas para aprenderlas de manera sencilla.

8. “Representar de forma personal ideas, acciones y situaciones valiéndose de los recursos que el lenguaje plástico y visual proporciona”.Este tema es interesante si se aplica para representar situaciones de la realidad del alumno como puede ser la analización de imágenes de dibujos animados. De esta forma se interesaran más por esto y será más fácil de crear una opinión personal observando todos los detalles para luego trasladarlos a las obras importantes.

9. “Utilizar de manera adecuada distintas tecnologías de la información y la comunicación para la creación de producciones plásticas y musicales sencillas”.Aquí diría que se podría utilizar para observar como funcionan el tema de las imágenes y la publicidad, averiguando porque se hace publicidad de un objeto a una hora y no de otro. Así aprenderían además a utilizar internet y a elegir la información que le hace falta y que es buena y desechar las malas o que no tengan una fuente fiable.

Creo que los conceptos están bien ajustados al ciclo. La forma de evaluar ya dependería del maestro y las circunstancias del momento, entorno…

CAPITULO 2. EL DIBUJO INFANTIL: IMÁGENES, RELATOS Y DESCUBRIMIENTOS SIMBÓLICOS

Este capitulo debe ir incluido en el segundo modelo del tema 7, pero por motivos extraños no me dejaba incluirlo alli, de ahi que se encuentre como una entrada nueva.

1. INTRODUCCIÓN

Dibujar y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños y niñas en la escuela, por ello las características de esos dibujos son asuntos de máxima importancia.

Algunos hechos sobre el dibujo infantil han llamado la atención:

  • Las niñas y niños comienzan a dibujar de forma espontánea y natural, y a la mayoría les encanta hacerlo.
  • Los dibujos infantiles constituyen un estilo artístico claramente reconocible por su modo de representar cosas como la figura humana o la construcción de espacios.
  • La mayoría de los dibujos y pinturas infantiles son muy llamativos.
  • A medida que crecen los niños van cambiando y transformando sus dibujos, haciéndolos cada vez más elaborados.
  • Al concluir la infancia, a partir de los 10 años más o menos, las cualidades representadas anteriormente como son el interés, la creatividad, la espontaneidad, etc. se difuminan o incluso desaparecen.

Los dibujos infantiles han constituido un poderoso foco de interés para muchos de los principales artistas del siglo XX, como puede ser el caso de Picasso

2. ÍNDICE TEMÁTICO Y OBJETIVOS DE APRENDIZAJE

2.1 Objetivos de aprendizaje

  • Reconocer y distinguir las características de los dibujos espontáneos infantiles.
  • Relacionar las diferentes interpretaciones del dibujo.
  • Interpretar  los dibujos infantiles como una manifestación integral de los procesos cognitivos y afectivos del niño.
  • Valorar las relaciones de los enfoques del arte infantil.
  • Comparar los enfoques educativos de la enseñanza del dibujo en la escuela primaria.

3. CONTENIDOS

3.1 El dibujo y arte infantil: ¿cómo dibujan las niñas y niños?

Cada persona tiene su propia forma de dibujar. No hay dos personas que dibujen de la misma manera.

No todos los dibujos o pinturas que hacen las niñas y niños durante la infancia se consideran arte infantil.

El dibujo y el arte infantil lo constituyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontánea, cuando se les facilita y motiva a que dibujen por sí mismo, es decir, cuando le dan libertar para pintar lo que se le apetezca.

Las niñas y los niños introducen en sus dibujos motivos, forma, colores y todo tipo de estrategias de representación características del entorno donde viven y se mueven, donde se desarrollan.

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Desde el momento en que comenzó a considerarse el dibujo infantil como una forma de expresión propia del niño, los estudios e investigaciones se interesaron por averiguar cual eran los rasgos definitorios de ese lenguaje visual.

Estos rasgos son:

  • El principio de aplicación múltiple por el que una mima forma puede servir para representar muchas cosas diferentes. Consiste en utilizar una figura simple para representar una gran variedad de objetos.
  • El principio de la línea base que es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo sobre la que se apoyan tanto los personajes como los decorados que aparecen en la escena.
  • El principio de perpendicularidad ya que la relación entre un objeto y la base en la que se apoya es perpendicular sea cual sea la orientación que tenga esa base.
  • El principio de la importancia del tamaño puesto que las figuras humanas o los objetos más importantes deben tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
  • El principio de aislamiento. Para representar un conjunto compuesto de elementos similares se preferirá dibujar los elementos uno a uno, como si se tratase de unidades aisladas.
  • El principio del imperativo territorial ya que cada elemento que aparece en el dibujo dispone de su espacio propio.
  • El principio de la forma ejemplar. De entre los posibles modos de representación de un objeto se preferirá aquel que mejor describa sus principales cualidades visuales.
  • El principio del abatimiento ya que los elementos eminentes verticales serán dibujados frontalmente y los elementos eminentemente horizontales, “a vista de pájaro”.
  • El principio de simultaneidad de distintos puntos de vista.
  • El principio de “visión de rayos X” por el que se dibuja todo lo que sea necesario describir explícitamente en la imagen, aunque para ello haya que hacer “transparentes” las paredes de la casa o del coche.

3.2 ¿Qué dibujan las niñas y los niños?

Durante los primeros años, desde que los niños y niñas comienzan a dibujar, hasta que cumplen tres o cuatro años, aparece un amplio conjunto de marcas, trazos o garabatos.

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Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos de los dibujos infantiles.

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Y después de las figuras humanas aparece el sol, una de las figuras más dibujada. Las casas, los árboles, las nubes, etc. aparecen junto a las personas y al sol.

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3.3 ¿Cómo cambian con la edad los dibujos infantiles?

Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. En los dibujos de los más pequeños no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los de seis o siete años cada línea y cada color está representando algún elemento o detalle.

Las primeras figuras humanas que aparecen en los dibujos infantiles alrededor de los cuatro años parecen flotar, en cambio las de los siete y ocho años ya están de pie o acostadas.

James Sully, en 1885, distinguía tres fases:

  • Garabato uniforme como juego
  • Dibujo rudimentario de figura humana
  • Estadio evolucionado y adquisición de una técnica.

Herman Lukens, en 1896, propuso 4 etapas:

  • El niño se interesa por el resultado de su gesto
  • Se interesa por el resultado de su dibujo
  • Nace el sentido crítico
  • Consigue en sus dibujos valores expresivos autónomos

Estos son los dos primeros autores que cuestionaron la evolución del dibujo infantil pero no son lo únicos, después existen infinidad de autores que han propuesto distintas fase para clasificarlo.

La primera etapa o garabato comprende desde los primeros dibujos que realizan las niñas y niños hasta que comienzan a aparecen representaciones figurativas claramente distinguibles.

La segunda etapa o “preesquematización” viene caracterizada porque en los dibujos son fácilmente reconocibles las figuras y elementos, y porque el niño y niña cambian frecuentemente de esquemas para representar la figura humana.

La tercera etapa o “esquemática” cristaliza un esquema para representar cada figura o elemento habitual en los dibujos infantiles.

Debido a las nuevas posibilidades de investigación, recientemente se han dejado de considerar los primero garabatos infantiles como el comienzo de la actividad creadora y han pasado a considerarse más bien como la culminación de todo un complejo proceso de descubrimiento y maduración que desarrollan los niños y niñas desde las primeras semanas de vida.

3.4 Investigaciones sobre el dibujo infantil

El dibujo infantil ha sido un campo de estudio claramente interdisciplinar.

En los últimos años del siglo XX, comenzaron a aparecer las primeras publicaciones específicas sobre el dibujo infantil.

Durante la primera mitad del siglo XX el estudio del dibujo infantil fue enriqueciéndose con numerosísimas aportaciones.

En la segunda parte del siglo XX, y muy especialmente en sus últimas décadas se han desarrollado nuevos enfoques y metodologías.

El permanente interés por el dibujo infantil es evidente por la frecuente aparición de números monográficos sobre este tema.

4. CONCLUCIONES

El dibujo infantil, después de algo más de un siglo de investigaciones y experiencias sigue siendo un tema abierto.

Hay ciertas características generales del dibujo infantil que son suficientemente conocidas y otras que están lejos de ser descritas.

La intensa utilización de las tecnologías en el estudio del dibujo infantil está haciendo mucho más fácil comprender con mayor exactitud y profundidad qué es lo que ha sucedido en el dibujo y cuál ha sido el contexto en el que ha tenido lugar el proceso gráfico.

TEMA 7: MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

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La educación artística no intenta que aprendamos a ser especialistas en dominar todos los ámbitos artísticos sino que intenta que el niño aprenda a partir de una forma distinta de aprender.

En unos casos, la educación artística es considerada como una asignatura que trae loco a los niños de primaras, ya que se emperran en que el saber dibujar es hacerlo perfectamente y no todos los niños, y aquí me incluyo yo, tenemos mucha idea del dibujo. Por eso hay que evitar inculcar al niño este tipo de ideas ya que uno puede ser tan buen pintor que otro aunque no este perfectamente definido.

En otros casos, la educación artística se considera como una asignatura manual donde solo hay que hacer dibujitos o trabajos manuales. Esto tampoco es completamente cierto, ya que esta asignatura también tiene unos conceptos teóricos que deberíamos saber.

A continuación vamos a desarrollar los 4 tipos de modelos de la educación artística.

  • MODELO A: EA basada en el proceso vinculado al sistema productivo.

Surge en el siglo XVIII debido a una revolución industrial.

En este modelo intentamos que el alumno intente aprender a dibujar. Para ello podemos comenzar poniéndolos a copiar una imagen de la realidad, ya que esto le ayuda a crear una atención más especializada en los detalles.

También podemos hacer otra actividad diciéndole que retraten una cara, donde podemos enseñarles a que no un círculo es un ojo por ejemplo, sino que hay mucho más detrás de esto.

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Con este modelo los alumnos también aprenden los procedimientos del dibujo, que tenga destreza con los materiales que necesite en el momento oportuno, para que a la hora de dibujar le sea mucho más fácil esta tarea.

Con este modelo podemos ir introduciendo hábitos de autodisciplina al alumno.No es imprescindible saber copiar, sino que también existen otros métodos como hacer fotografía por ejemplo.

Como cualquier modelo tiene una serie de ventajas e inconvenientes, pero para mi opinión veo que es un modelo importante para un niño ya que el dibujo puede ser muy importante para desarrollar algunas capacidades. Por eso además de la copia, yo introduciría actividades donde el alumno dibujase de forma creativa y luego nos explicara el porque de ese dibujo.

  • MODELO B: EA basada en la creatividad y la autoexpresión

Este modelo surge en el siglo XX y se basa en el dibujo del alumno de forma que pueda expresarse libremente, es decir, que no este pendiente de la copia sino que dibuje todo lo que quiera y como quiera hacerlo. Tienen libertad a la hora de dibujar, solo influye el docente como modo de ayuda si hiciera falta.

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Lo verdaderamente importante es la creatividad y la expresión propia, a partir de aquí se crea el “arte infantil” que es aquel que expresan los niños sin fijarse en los mayores. Aunque a veces los alumnos pintan cosas que ya han aprendido con anterioridad y no son capaces de dar rienda suelta a su imaginación.

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Los pintores vanguardistas pertenecen a este modelo de autoexpresión. Sus obras son muchos conflictos de ideas representadas todas juntas, dando lugar a la creatividad y la imaginación del autor sin basarse en un método concreto.

Aunque es cierto, que la mayoría de los pintores vanguardistas aprendieron a pintar de forma tradicional para posteriormente llegar a la autoexpresión.

Un ejemplo de autoexpresión lo podemos observar en el siguiente cuadro de Dalí.

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  • MODELO C: EA para el desarrollo de la percepción y alfabetización visual.

Surgió a partir de la LOGSE y actualmente se encuentra muy presente en la LOE.

En este modelo se trata de educar a los niños para que sean capaces de “leer” las imágenes, es decir, que aprendan el lenguaje visual de estas.

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Además de aprender a leer, este modelo ha servido para enseñar los distintos tipos de colores que existen (lo comúnmente denominado círculo cromático), para aprender que tipos de materiales se han utilizado en una pintura o imagen y en otras, para aprender a utilizar la línea, el punto, etc…

Este modelo surgió ya que se producieron unos fuertes problemas como pueden ser: que no somos consumidores de las imágenes sino que están nos construyen nuestra realidad, que existen artistas que niegan que exista un lenguaje visual, etc…

Por último, las actividades que se suelen utilizar con los alumnos son ser superaburridas y estos no le encuentran motivación alguna para desarrollarlas.

  • MODELO D: EA para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual.

Surge a finales del siglo XX.

Este modelo intenta que se aborde las artes como tema más cercano, teniendo en cuenta todo lo visual.

Además quiere conseguir en los alumnos que obtenga sus propias interpretaciones de las imágenes ya que estas influyen dependiendo de la cultura del que las veas, del momento, de la edad, en definitiva, de cada uno mismo.

También impulsa a que el alumno investigue y sea capaz de tener una propia opinión de las artes, siempre aprendiendo los conceptos básicos anteriormente. Este es el problema de muchas escuelas donde el profesor no es capaz de impulsar al alumno a que sea un investigar, por ello es recomendable que comience leyendo el libro de Fernando Hernández “Educación y Cultura Visual” el cual nos habla de que quiere implantar un nuevo modelo de enseñanza en sus escuelas.

Lo fundamental no es aprender a dibujar, sino a utilizar esos dibujos para sus propias creaciones o para expresar sus sentimientos. Además de los dibujos es importantísimo que se aprende a utilizar los videos o las fotografías de la misma manera.

Un ejercicio que realizamos en clase a partir de esto, fue el de describirnos a nosotros mismo y nuestros gustos a través de imágenes simplemente para así poder aprender el poder real de una imagen.

La escuela debe ayudar a los alumnos a no quedarse en el simple “pintar bien” o saber “leer imágenes” sino que tiene que ayudarlos a que vayan más haya para que puedan conocer lo fascinante y maravilloso del mundo de las artes visuales.

APLICACIÓN DIDÁCTICA

Para mi manera de ver, el último enfoque es el más completo ya que permite al alumno desarrollarse profundamente para ser capaces de pensar por su propia persona y tener unas opiniones críticas del arte, y en general, del resto de aspectos de la vida.

En las escuelas, por desgracia, no es este el modelo que predomina. En las escuelas el modelo que se utiliza es el de la percepción y alfabetización visual.

En un futuro esperemos que se produzca el cambio y se utilice al niño como investigador, ya que además de aprender el mismo, ha de expresarse de manera sencilla para el resto de compañeros. En definitiva da, desde mi punto de vista, mayor autonomía al alumno para un desarrollo perfecto.

LOS 40 PRINCIPALES

TEMA 6: LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO. TIPOS DE IMÁGENES. CANALES DE DIFUSIÓN.

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Como ya hemos comentado anteriormente, las imágenes nos influyen en todos los aspectos de la vida. Estas nos construyen de una manera u otra ya que según que tipo de imagen podemos pensar una cosa u otra sobre lo que nos quieren enseñar.

Las imágenes varían dependiendo de la forma de ver las cosas de cada persona. También varia dependiendo la cultura, el imaginario, etc… es decir, varia dependiendo de la ideología de lo que consideramos nosotros como correcto en ese momento. Esto se puede ver en cualquier imagen que te encuentras por ahí.

La imagen anterior da mucho que pensar dependiendo de la persona que la vea. Para mi, en especial, es todo lo contrario ya que pueden estar olvidados viviendo el poco tiempo que le queda ya en malas condiciones o sin que nadie se preocupe por ellos, que no tengan la atención necesaria ya que la mayoría no puede valerse a esas edades por sí mismo. Yo me pongo en su circunstancia y no quisiera que cuando a mí me toque estar en su lugar, estuviera pasando por un mal momento sino que  me gustaría acabar mis días feliz y disfrutando de la familia y los amigos.

Para otros muchos es motivo de risa y burla, se mofan de ellos, de su situación, hasta son capaz de hacerles bromas sin que ellos puedan defenderse.

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A continuación vamos a hablar de cómo es preciso huir de las “interpretaciones concretas”.

Para ello vimos un fragmento de la película animatrix. Vimos una lucha entre un hombre y una mujer la cual se encuentra en una realidad virtual. No es real pero lo parece y eso es lo que conocemos como hiperrealidad.

La clave de todas las interpretaciones es que estén fundamentadas. Habrá interpretaciones que no podremos ni imaginar.

En la escuela hoy en día nos enseñan guiándose siempre por un libro de texto, en el que se puede observar que pone lo que hay que enseñar y lo que no.

Y todo esto, ¿Quién lo ha elegido? Pues eso es cosa de los altos cargos, los cuales eligen lo que se puede publicar en los libros y lo que no, básicamente eligen todo lo que vemos.

Por eso debemos dejar que los niños se expliquen y den siempre su opinión a favor o en contra de lo que nosotros le hemos enseñado. Y ayudar a los niños a que sepan buscar el significado por ellos mismos, pensamiento divergente.

¿También podemos hablar de que las artes es una materia mal estructurada

Esto no es cierto ya que es una materia mal expresada y que al no seguir el arte una estructura determinada  se considera que esta mal estructurada.

Si la comparamos con otras materias se pueden ver claramente las diferencias. En matemáticas por ejemplo, lo que enseñamos siempre es así y no tiene opción a cambiar nunca. (2 + 2 = 4). Pero en arte, una escultura puede tener muchas maneras de interpretarlas dependiendo de la cultura visual de cada alumno.

La realidad es muchísimo más compleja de lo que nos intentar hacer que veamos. Por eso debemos tener en cuenta todos los aspectos del contexto para tener una idea más clara de lo correcto y lo que no. Esto se puede ver perfectamente en el ejemplo que pusimos en clase del accidente de aviación, donde la gente acababa comiendo carne humana de los que ya habían fallecido.

Para que el alumno se interese por un tema, debemos hacerle preguntas que no sena tan fáciles de responder, sino que tenga que investigar para tener una visión más global y poder responder con su propia opinión.

Esto podemos observarlo en un libro que habla de la didáctica a seguir en una clase, donde nos explica como existe un método de ‘’inmersion temática’’ donde entre el maestro y los alumnos se elige el tema. A continuación, los alumnos tienen que ir investigando, a la vez que el maestro, para tener una idea constructiva sobre el tema. Por último se van exponiendo las ideas de todos en clase y sacando algo productivo de todo esto, ya que cada alumno tiene su forma de abordar el tema, su forma de ver las cosas.

En este el maestro no dice lo que se tienen que aprender, sino que solo va guiando por el buen camino a los alumnos.

( Maryann Manning y otros (2007) ‘’Inmersión Temática: el currículo basado en la indagación para los primeros años y años intermedios de la escuela elemental’ ’ Barcelona, Gedisa editorial. )

En definitiva, los futuros maestros debemos inculcar a los niños a que vean todo desde su forma de pensar, desde su cultura. Y luego comentarlas en clase para que se pueda aprender que no solo su forma de representar las cosas es correcta, sino que pueden existir personas que piensen de forma distinta y también sea correcta.

Las imágenes no representan del todo la realidad que nosotros observamos ya que pueden influir en ellas la mano del autor por ejemplo. Las imágenes que se parecen mucho a la realidad se le denomina realidad figurada y las que ya no se parecen en nada a la realidad se le denomina abstractas.

Dependiendo de esto, de una misma realidad se pueden sacar miles de imágenes distintas tanta de realidad figurada como abstractas.

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Existen muchas imágenes distintas, por eso las podemos diferenciar.

Algunas son las llamadas informativas las cuales nos dan una información de algo como puede ser un carnet de conducir, o un esquema explicando algo.

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Otras muchas son las que utilizan para llamar la atención, como puede ser la de la publicidad de cola-cao, o las pornográficas, etc..

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El arte tiene muchas representaciones, y clasificar el arte es una tarea dura ya que unos consideraran una cosa arte y otras no. También influirá en el momento que nos encontremos para que la representación tenga valor o no y de ahí dependerá que se considere arte. Podemos utilizar las obras de artes como función de muchas cosas como para enseñar, decorar, expresar…

Hoy en día, el ser humano esta acostumbrado a recibir imágenes de todos los medios de difusión imaginables. Básicamente no podemos pasar un momento en que no veamos internet alguna imagen que nos de que pensar.

Los principales medios de difusión pueden ser la televisión, la prensa, las revista y sobre todo internet que hablaremos más detenidamente de ello.

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Las imágenes que salen en la televisión, en las revistas, en los periódicos están muy cuidadas ya que son solo imágenes que los altos cargos han querido que nosotros veamos. Además también influye que aparezca en un periódico u otro puesto que dicen lo mismo pero cada uno interpreta la información a su manera.

Respecto al tema de internet, este ha influido en la sociedad tanto negativa como positivamente.

Negativamente porque es un medio donde nos llegan imágenes de todo tipo, sin importar la privacidad o no de las imágenes, ni si se ha consentido o no que se publiquen de esa manera. Además estas imágenes pueden estar manipuladas (en muchísimos casos ocurre) para criticar algo o a alguien.

Positivamente porque es un medio donde nos permite ver muchas más cosas que en la televisión por ejemplo no esta permitido. Es decir, aquí nadie nos enseña lo que quiere, sino que somos capaces de ver toda (o casi toda) la realidad sobre algo.

Un objetivo de la escuela es enseñar a los alumnos a que no se creen todo lo que ven, sino que detrás de las imágenes que nos enseñan puede existir algo mas que no se ve.

Hablamos de que los principales canales de difusión son la televisión y la revistas, pero no podemos olvidar las tiendas la gran labor que hacen para mostrar sus ropas, o sus objetos a vender.

Y sobretodo, un importante canal de difusión es la sociedad. La ropa que llevan puesta, la forma de actuar, la cultura, todo son imágenes que se quedan captadas en la mente.

Por otro lado los canales del arte son menos frecuentes ya que suelen ser obras de artes que podemos encontrar en los museos, galerías, y que hacen publicidad para que la sociedad los vea pero no son tan vistas como el resto.

Además los programas de arte por ejemplo siempre los ponen en horarios que no los pueden ver la mayoría de la sociedad. Los documentales los ponen o de noche cuando la gente tiene que dormir para poder madrugar al otro día, o los ponen muy temprano.

Como en todo, detrás del arte también se encuentra poderes que varían de modo que puedan salir más favorecidos.

PROPUESTA DIDÁCTICA

Yo introduciría estos temas en el 3º ciclo. Ya que hay que ir acostumbrando al niño a ser objetivo con las imágenes que ve, y desde pequeños aprendan esto muchísimo mejor para ellos. Además de que ya van teniendo una capacidad de ser objetivos con las cosa y pueden servirle de más provecho.

Esto lo introduciría en educación artística mediante la explicación del tema de la moda y la sociedad. A continuación mandaría algunas actividades para fomentar el trabajo personal, la indagación en la búsqueda realizando protocolos de forma escrita y luego exponiéndolo de forma oral. Como conclusión la expresión dar una opinión personal de lo expuesto por sus compañeros, debatir y llegar a una idea clara.

Como criterios de evaluación tendría en cuenta la capacidad del alumno, el esfuerzo que a puesto en ello, utilización del lenguaje preciso, interpretación de las imágenes y representación del espacio presente del entorno, representación personal de ideas o opiniones, si han detectado lo que hay detrás de las imágenes como la política, la ideología…

Imagenes:  http://www.google.es

Video:  http://www.youtube.es

TEMA 5: VISUALIDAD E IDENTIDAD. VISUALIDAD Y NARRATIVA

Como ya he explicado en temas anteriores, el imaginero actúa de forma muy importante sobre nuestras vidas. Todo lo que es posible apreciar, todas las imágenes, nos influye a la hora de pensar en algo puesto que nos hace que tengamos una idea general sobre los aspectos de la vida.

Por ejemplo cuando a alguien se le pregunta que piense en la obra Picasso del Guernica, toda persona se imagina esto.

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Pero en realidad, esa imagen no representa el bombardeo ya que solo son figuras abstractas donde no se puede observar ningún aspecto de la guerra.

En esta otra imagen es donde se puede apreciar realmente lo que paso.

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Existen diferentes tipos de roles que se muestran delante de los niños donde muestran como las mujeres son esclavas de la casa dejando al hombre siempre en un buen lugar.

Estos roles se pueden observar en muchos dibujos animados que son especialmente de niños. Por ejemplo, en spiderman, él son los superhéroes y la muchacha siempre es la indefensa que no se puede salvar por si misma.

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La identidad es un tema muy importante para trabajar en la escuela, ya que tenemos delante pequeños niños que se quedan perfectamente con todo lo que nosotros le enseñemos y que les va a afectar a la hora de pensar durante toda su vida.

Tenemos que intentar que los pequeños creen su propia identidad y tener cuidado para no inculcarle nuestro propio imaginero.

ARTÍCULO SOBRE EL PATRIMONIO

Hemos leído un texto escrito por José Pedro Aznárez López, nuestro profesor de Educación Artística. A continuación hemos hecho una debate sobre el, dando nuestra opinión. Ahora voy a poner mis conclusiones sobre el artículo.

El artículo comienza hablando de Venecia, pero puede ser utilizado para cualquier lugar, ya que lo que intenta es que podamos observar el patrimonio y tener nuestras propias ideas.

Es cierto que cuando una persona llega a un lugar que no ha visto nunca, solo por fotos o películas ya lleva una idea predeterminada de cómo es el lugar. Esto es muy difícil de cambiar, y al principio no va a poder ver otra cosa. Es decir, la realidad cambia según qien la observe.

Esto mismo ocurre en los niños pequeños a los cuales no se le puede inculcar que vea algo donde ellos no lo ven, porque sino en el futuro solo podrán ver lo que vean los demás y no sabrán sacar sus propias visiones de las cosa.

El patrimonio nos influye en la vida, forma parte de nuestra cultura y de lo que estamos acostumbrados a ver. El patrimonio lo crean para que todos vean eso mismo. Lo que entendemos como patrimonio es eso, que como dice en el articulo, “Es una selección que ciertas personas han hecho pretendiendo representar la sociedad”.

Todas las obras, esculturas, monumento, y básicamente todo aquello que consideremos como patrimonio cultural va a tener las mismas categorías en común:

  • Poliédrica

Un poliedro es una pieza con muchas caras. El patrimonio seria el poliedro y las varias caras serian las diferentes visiones. Por ello, para comprender mejor una obra y observar toda su riqueza, hay que saber ver las distintas visiones que pueden existir.

Jose Pedro nos pone el ejemplo de la Cartuja de Sevilla, que ha servido como expo ’92, fábrica de cerámica, lugar religioso…

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Aqui tenemos una simulación del nuevo proyecto para la Cartuja de Sevilla.

  • Las obras son seres sociales

El patrimonio depende de la sociedad, ya que esta es la que quita o da a las obras la categoría de patrimonio.Esto depende de la mirada, como sea la mirada de la gente que lo mire será arte o no.

La gran mayoría de las personas tenemos una mirada de admiración al ver las cosas debido a la enseñanza que hemos recibido porque no nos han enseñado a interpretar.

Por último influye en la época que nos encontremos. Por ejemplo, antes era patrimonio todas las esculturas, cuadros,…, de Franco, y hoy en día están desapareciendo todos de la vista de las personas, han dejado de ser patrimonio.

Nuestra ley de Patrimonio lo dice claramente:

El Patrimonio Histórico Español es una riqueza colectiva. Los bienes que lo integran se han convertido en patrimoniales debidos exclusivamente a la acción social que cumplen, directamente derivada del aprecio con que los mismos ciudadanos los han ido revalorizando.

  • Son cambiantes

Esta característica, tiene que ver mucho con la época histórica en la que nos encontremos y la cultura que haya en ese momento. Dependiendo de la época las cosas se van a ver de una manera u otra.

Si el sentido de las obras depende de la cultura en que son observadas y conservadas, su sentido es entonces cambiante (inestables).

Por ejemplo: una obra cuando fue creada no era patrimonio, pero ahora por ser de una época histórica anterior pues si lo es.

  • El valor es inestable.

Como hemos dicho antes, las obras son seres sociales y su sentido es cambiante, por lo tanto, su valor también es cambiante, ya sea valor económico, cultural… Varia tanto los criterios de evaluación, cómo los grado de calidad.

Ha habido obras que se han perdido debido a guerras, u otras circunstancias. Y también hay obras que han pasado al olvido debido a que cambia el imaginario, la ideología, los gustos…

Debemos enseñar a opinar y debatir, pero con argumentos.

  • Las obras son mediadoras

Las obras están enormemente vivas: influyen en nosotros casi sin darnos cuenta; influyen en nuestro modo de ver, y de entender lo que nos rodea, es decir  vemos y entendemos a través de ellas.

Las obras median nuevos sentidos e influyen en el modo en que nosotros vemos el mundo. Leemos el mundo a través de las obras y las imágenes.  Pero además nosotros también influimos en ellas  a través de nuestras sensaciones, porque eso puede determinar que una obra se convierta en importante o no.

Por ejemplo, en nuestra cultura las mujeres suelen ir vestidas de blanco cuando se casan, cosa que en otras culturas no pasan ya que van vestidas de blanco las mujeres que están de luto.

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La cultura visual  ha contribuido a que los individuos fijen las representaciones que reciben sobre sí mismos, sobre el mundo. Piensas según sus imaginarios. Por eso, los modelos son un ejemplo a seguir sobre muchas personas, que intentan parecerse a ellos, los imitan.


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Desde la antigüedad las mujeres aparecian pintadas desnudas.

  • Son esculturas públicas

Como hemos dicho anteriormente, las esculturas y el patrimonio en general es elegido por los políticos y un par de ellos más. Pero esto hay que empezar a cambiarlo, ya que las esculturas son de todas las personas. Para ello, es muchísimo mejor empezar desde los pequeños, enseñándoles que tiene voz y voto y que sepan opinar sobre las cosas.

  • Son facilitadoras de interpretación.

Las obras las podemos interpretar y cada uno le va a dar una interpretación subjetiva, es decir, cada cual va a tener su propia opinión a parte de lo que dicen los grandes expertos y los libros. Además para nosotros poder darle más vida a las obras, deberíamos mirarlas desde distintas perspectivas, distintos puntos de vista.

A los niños hay que mostrarles distintos puntos de la realidad, que se relacionen e integren con las obras, hay que realizar muchas preguntas y de éstas saldrán posibilidades de conocimiento.

TEMA 4: ¿POR QUÉ SE HACEN LAS IMÁGENES?

Comenzamos realizando una actividad en clase, la cual consistía en dividirnos en grupos, y cada uno de ellos tenia que dar una razón por la cual creen que se hacen las imágenes y para qué. A continuación añado las respuesta de la actividad.

• Representar la realidad

• Conocer cosas que no hemos visto

• Expresar y expresarse sentimientos, emociones, etc.

• Recordar

• Comprender realidad y relacionar cosas entre si

• Comunicarnos

• Explicar sin palabras

• Convencer

•Informar

• Situarnos en el tiempo

• Dar vida a as cosas

• Dar color y sensaciones

• Diferentes puntos de vista

• Ayudan a las explicaciones

• Decorativas

• Una imagen dice más que mil palabras

• Momentos únicos

• Observar el estilo de los demás

• Conocer que nos transmite

• Hacernos una idea del mundo

• Desarrollarla inteligencia y el pensamiento

• Porque existe la luz

• Representar lo inexistente

• Aprender de la subjetividad de los demás

• Atrapar la atención

• Distorsionar la realidad

• Crear expectación

• Marketing • Publicidad

• Recrear el mundo e interpretar la realidad

• Inmortalizar el momento.

Como podemos observar las imágenes son algo más q simple fotografías como la gente se cree.

Las imágenes varían dependiendo de quien las mire, ya que cada uno tiene una forma de ver las cosas distintas del resto. En este sentido también influye la cultura de cada espectador y lo que le haya sido inculcado desde pequeño.

Hay otro concepto muy relacionado con las imágenes, es el imaginario que tenemos en nuestra mente que nos dice como son las cosas, que cosa causa tristeza, alegría, etc…. Por ejemplo, si alguien te dice que pintes un árbol siempre vas a pintar el tronco marrón y las hojas verdes ya que aquí entra en acción el imaginero, el cual no te deja ver las cosas de otra forma. Por esto, nunca se puede saber cual es la verdadera realidad, ya que esta “verdadera” realidad puede cambiar dependiendo del imaginero de cada persona.

Las imágenes dirigen nuestro mundo, tanto la forma de expresarnos, de sentir, como la forma de entender las cosas. En definitiva, nos guiamos a través de imágenes

  • Hasta hace algo más de un siglo, las imágenes eran algo escaso.

El cambio se produjo con la aparición de las cámaras fotográficas las cuales daban un amplio abanico para conocer más sobre el mundo, guardando los recuerdos para siempre.

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En 1839, se divulga públicamente el descubrimiento del daguerrotipo, copia única hecha sobre una emulsión o soporte metálico, generalmente de cobre. El líquido, se aplicaba sobre el cobre, se fijaba y quedaba plasmada en él la imagen fotográfica. Casi todos los daguerrotipos eran colocados sobre un fondo liso y oscuro, con una iluminación difusa. A partir de aquí se hizo mucho mas frecuentes los retratos de fotografía a los retratos pintados.

En 1840 William Henry Fox Talbot inventa el primer negativo , llamado calotipo.

En 1880, el francés León Favre solicita patente para su nuevo sistema de color en la fotografía.

En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de papel fotográfico, lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento. Posteriormente, lanzó el carrete de celuloide que terminó por emplear una protección que permitía su extracción y colocación bajo la luz ambiente.

En 1931 se descubre el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada.

Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.

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  • El cine

El cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas.

La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas.

Y fue Georges Méliès quien profundizo por primera vez en el hecho de contar historias ficticias. Así aparece el cine mudo, sin diálogo sonoro.

Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con “La feria de las vanidades” de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con “Lo que el viento se llevo”.

  • La televisión y posteriores medios visuales.

Esta televisión, TV y popularmente tele, es un sistema de telecomunicación para la transmisión y recepción de imágenes en movimiento y sonido a distancia.

La transmisión puede ser efectuada mediante ondas de radio o por redes especializadas de televisión por cable. El receptor de las señales es el televisor.

Es a mediados del siglo XX donde la televisión se convierte en bandera tecnológica de los países y cada uno de ellos va desarrollando sus sistemas de TV nacionales y privados.

El primer sistema de televisión en color ideado que respetaba la doble compatibilidad con la televisión monocroma se desarrolló en 1951 por un grupo de ingenieros dirigidos por Hirsh.

La primera proyección fueron los juegos olímpicos de Berlín. Las primeras proyecciones en España fueron 10 años después de la de Berlín.

La televisión va a tener un gran acogimiento ya que comienza a ser un enganchador para personas de todas edades. Se comienza a ver programas que eligen otras personas y además nos creemos todo lo que en ella se dice, sin cuestionar si son datos fiables o no.

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A partir de aqui comienzan a aparecer otros medios de comunicación, como pueden ser: los móviles, ordenadores, webcam, dvd, etc..

  • Vivir en una sociedad del espectáculo

Hoy en dia vivimos en la sociedad del espectáculo ya que nos basamos en las imágenes y ahí que saber enseñarle esto a los próximos alumnos.

Continuamente sacamos además provecho de las propias fotos, realizando calendarios, haciendo huelga a través de las imágenes, etc..

Tiene que ver con los estereotipos que es una imagen o idea aceptada comúnmente por un grupo o sociedad. Dicha imagen o idea sólo se pueden cambiar mediante la educación. Los estereotipos son creados por las grandes empresas, los políticos, los que dominan el mundo.

Nosotros mismo somos actores y espectadores del espectáculo, ya que continuamente nos estamos haciendo fotos, sobretodo cuando viajamos a lugares nuevos.

La revolución llega con el internet ya que después de hacernos estas se las pasamos a amigos, familia, a través de sistemas como son internet, y esto produce que tengamos nuestra vida en la red como puede ser a través de páginas de buscar parejas, chats, o simplemente en Messenger o tuenti.

TEMA 3: TÉCNICAS Y MATERIALES


Los procedimientos y los materiales que se usan para crear imágenes u objetos son importantes para la expresión. Es bien la apariencia de una escultura de madrea tallada con gubias, de la que presenta otra esculpida con cinceles de piedra o la de la realizada en bronce. En todas ellas, la textura de las superficies se toma en cuenta a la hora de armonizar los volúmenes, las masas y el ritmo.

La refracción de la luz será distinta en una superficie pulida, que en una rugosa o áspera.

Como en todo proceso artístico, la técnica y los materiales dependen mutuamente unos de otros. Todas las técnicas son válidas, lo importante es el resultado que se obtiene con cada una. Conforme avance el tiempo es imprescindible utilizar técnicas digitales.

El modelado, o modelización, es una técnica cognitiva que consiste en crear una representación ideal de un objeto real mediante un conjunto de simplificaciones y abstracciones, cuya validez se pretende constatar. La validación del modelo se lleva a cabo comparando las implicaciones predichas por el mismo con observaciones.


En otras palabras, se trata usar un modelo irreal o ideal, y reflejarlo sobre un objeto, crear una figura, una escultura,…

Un modelo es una simplificación de la realidad, se recogen aquellos aspectos de gran importancia y se omiten los que no tienen relevancia para el nivel de abstracción dado. Se modela para comprender mejor un sistema. Los sistemas complejos no se pueden comprender en toda su completitud

Se pueden modelar los más diversos materiales: la arcilla, la masa de miga de pan, masa de sal, porcelana fría, papel maché, plastilina,  pasta de modelar, fimo, sculpey,… Hay masas de modelar adecuadas a todas las necesidades.

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Las técnicas de modelado básicas son: por adición y sustracción.

Adición: Se agrega material. Se realiza modelado en arcilla, que sirve de base al los modelos que requieren un molde previo; por ejemplo, la fundición de metales para hacer esculturas en bronce, plata, oro, cobre, hierro y aluminio.

También se utiliza el modelado previo de una forma, para hacer esculturas moldeadas en frío, como las que se elaboran en base en mezclase de cal, arena, cemento, polvo de mármol o piedra.

Para modelar los materiales suelen ser arcilla, cera, alguna pasta de modelar preparada con harina, o también pastas como la plastilina o el “papel maché”.

El torneado es a través de un plato giratorio y con arcilla se va diseñando el objeto, pero es muy complicado.

Sustracción: Quitar material. Se utiliza para esculpir madera o piedra (mármol), para crear la forma. La madera con el tiempo se deteriora si le da el agua o si le atacan los xilófagos (las termitas). La madera es más fácil de tallar, más barata pero no puede estar en el exterior. En Andalucía se suele tallar con madera.

El corcho es otro material para tallar ya que no pesa y se trabaja con facilidad. Otro material es el marfil (talla de marfil = eboraria) que se suele sacar de los dientes de los elefantes.

El material de talla puede ser de una pieza (monolítica, monobloque, mondito), pero no es muy frecuente. Cuando son más de un bloque se denomina talla ensamblada.

El material que se quita no puede ser restaurado en su lugar, permite poca libertad para equivocarte.

Existen dos tipos de talla:

Directa: Comprar un bloque y comenzar a tallar directamente en el bloque.

Indirecta o Asistida: Antes de tallas la figura se hace en barro, ya que la puedo corregir y cuando está acabada la copio al material original. El modelo que se realiza antes de ser copiado no suele ser del mismo tamaño, sino que con máquinas luego lo copian y aumentan o reducen el tamaño.

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Construcción: Juntar piezas. El procedimiento más conocido es la soldadura. Existe una técnica muy contemporánea que es el ensamblaje, que se define por juntar trozos que ya existen y hacer objetos nuevos.

Otra técnica de construcción es el encofrado, que consiste en hacer una forma y rellenarla de hormigón armado (con una armadura para que aguantes), y cuando se retira el molde queda la estructura hecha.

Deformación: Lo más cotidiano en deformaciones son los avioncitos de papel ya que del material original ha sido deformado para crear otra figura. La orfebrería es una técnica que se utiliza con un martillo y un cincel.

En la forja se hacen las piezas y luego se soldan entre sí.

El vidrio también se hace con técnicas de deformación, aunque ya actualmente se hacen con máquinas especializadas.

Transformaciones: Cambiar las formas. Técnicas de vaciado que consiste en hacer un molde y sacar una copia de ese molde (molde-negativo/copia-positivo).

Perfomance: La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

Land art: El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico.

Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks (palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes).

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La práctica del dibujo artístico se puede llevar a cabo por medios de un número casi infinito de técnicas y materiales. Es posible dibujar casi sobre cualquier superficie; una prueba de ello son los dibujos y pinturas rupestres de las cuevas de Altamira. Así que la selección del papel no es tan importante, aunque procurará obtener el de mejor calidad.

Los lápices de dibujo deben ser blandos y de alta calidad. Se usan los de grafito o plomo que se clasifican según su grado de consistencia.

Al dibujar con carboncillo, este debe ser llevado a una posición cercana de la horizontalidad, tomándolo con el dedo pulgar y el índice, y el brazo separado del cuerpo para que la mano se desenvuelva con mayor soltura.

La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo (de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre). Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones.

Para el dibujo a pluma, se necesita tinta negra y plumilla de distintos grosores colocadas en un mango. El elemento fundamental es la línea, por intermedio de la cual los grises y negros pueden ser construidos agrupando, separado y cruzando líneas más o menos cortas.

Los colores al pastel vienen en cajas que contienen gran variedad de tonos y matices bajo la forma de barritas envueltas en papel. Son sumamente suaves y se necesitan muchas barritas para trabajar, pues los colores no deben mezclarse sobre el papel para obtener otros porque se deteriora su efecto.

La acuarela toma su nombre de agua, que es el medio que se utiliza para mezclar y diluir pigmentos. Los colores de acuarelas son transparentes; no se usa el blanco ya que esto es proporcionado por el fondo blanco del papel que le sirve de soporte. Los materiales para acuarela deben de ser de mejor calidad, aunque para comenzar pueden ser un poco peor.

El gouache o guache, es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillantes, si uno quiere puede pintar aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.

Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de pintura, sin embargo produce un efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.


El grabado es el resultado de una técnica de impresión que consiste en transferir una imagen dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en una superficie rígida llamada “matriz” con la finalidad de alojar tinta en las incisiones, que después se transfiere por presión a otra superficie como papel o tela.

La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de cobre o aluminio pero también se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza el dibujo por medio de líneas generalmente, excavadas en la superficie de la plancha. Existen varias técnicas para grabar el dibujo.

La palabra “grabar” es de etimología alemana “graben” significa cavar. Entró en el castellano por medio del termino francés “graver“. El significado de grabar es trazar en una materia, marcas, letras o signos con una pieza incisiva como el buril.

Tipos de grabado:

Linografia: Técnica de grabado en la cual se emplea el linóleo como matriz. Para obtener la imagen hemos de incidir sobre éste con una gubia de manera que las partes talladas quedarán en blanco y las sin tallar serán las que reciban la aplicación de la tinta. Por tanto el procedimiento de trabajo será en negativo.

Xilografía: Es la técnica de obtención de múltiples copias de la misma imagen, en la que se emplea como matriz una superficie de madera. Sobre la matriz de madera, se construye la imagen tallándola mediante “gubias”, con las que se rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco o a la ausencia de color. Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con las gubias (los blancos). La imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical.

Punta seca: Es el proceso según el cual se realiza la imagen sobre la matriz con el empleo exclusivamente de un punzón fino y afilado, que se emplea arañando la plancha con mayor o menor presión en función de la intensidad de línea que se desea. Este punzón recibe el nombre de “punta seca”, y cuando se presiona con él la plancha de metal, ésta responde separándose y levantando un milimétrico reborde a ambos lados de la incisión, donde se alojará la tinta y que reciben el nombre de “rebaba”. Esta rebaba hace no sea posible limpiar la plancha ajustándose a la línea grabada, y dejando en las estampas un velo que caracteriza a esta técnica. Las planchas grabadas mediante esta técnica deben ser cuidadosamente entintadas y limpiadas a la hora de estamparlas, debido a la fragilidad de la rebaba. Motivo por el que es difícil encontrar ediciones largas.

Aguafuerte: Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de Betún de Judea y Cera de abeja que se puede aplicar en estado líquido o sólido, y que se deja secar. Cuando está seco, se levanta el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie de la plancha al aire. Se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y haciendo un agujero en la superficie de la plancha, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actué el ácido, y la concentración de la solución empleada sea mayor.

Litografía: Técnica empleada para conseguir la reproducción de una imagen, en la que la matriz es una piedra caliza. En esta técnica no se graba la piedra, sino que se emplea la característica que tiene cierta variedad de caliza para reaccionar químicamente ante la presencia de las grasas. La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un lápiz graso que recibe el nombre de “lápiz litográfico”. Una vez realizado el dibujo se procesa la piedra con una solución de ácido y goma arábiga, consiguiendo que el dibujo quede fijado a la piedra y estable.

Un mosaico era una obra compuesta de rocas. También puede estar hecha de madera. Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Se ha podido ver que decoraban las paredes y las columnas con pequeños trozos de arcillas de colores dibujando formas geométricas.

Un mosaico se puede hacer con diferentes materiales, tanto con madera, vidrio, piedra, y el conjunto de distintos materiales formando un único mosaico denominado collage.

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La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que éste era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

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Desde que el artista piensa la imagen hasta que la acaba transcurren muchas cosas. Antes de copiar el modelo o si no tiene modelo, el artista suele hacer varios bocetos. También es habitual realizar modelos ya que son básicamente iguales al real.

La diferencia entre el boceto y el modelo, es que el modelo es un trabajo acabado y sólo falta pasarlo al real y el boceto es que la obra acabada tiene un poco más de detalle pero no demasiado.

Hay veces que el autor no utiliza ni bocetos ni modelos. Esto se denomina “all prima” y suelen ser cuadros muy pequeños.

Antes de hacer un edificio, se hacían maquetas en madera para ver como quedaban. Hoy en día se hace por fotomontaje, ya se utilizan muy poco las maquetas.

TEMA 2: ELEMENTOS DE LA FORMA..

La creación del estilo en el diseño gráfico se basa en muchos elementos, cada uno de los cuales tiene un amplio alcance visual.

Los elementos básicos son pues: el punto, la línea, el plano, el contorno, la textura y el color. Cada uno tiene características diferentes, lo que les permite desempeñar funciones determinadas dentro de la composición.

Los elementos conceptuales no son visibles. Así, el punto, la línea o el plano cuando son visibles, se convierten en forma. Un punto sobre el papel, por pequeño que sea, debe tener una figura, un tamaño, un color y una textura si se quiere que sea visto. También debe señalarse lo mismo de una línea o de un plano En un diseño bidimensional, el volumen es imaginario.

Los puntos, líneas o planos visibles son formas en un verdadero sentido, aunque formas tales como puntos o líneas son simplemente denominados puntos o líneas en la práctica.

Las imágenes podrían descomponerse en unidades de significación más pequeñas en función de algunos de sus componentes: color, línea…

El punto:
Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante y puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y la posición en el plano. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención.

El punto esta definido por su color, dimensión y sobre todo por el dinamismo que puede reflejar dependiendo de donde lo situemos dentro del plano. Cuando vemos varios puntos dentro de una determinada composición, por el principio de agrupación, podemos construir formas, contornos, tono o color (como las imágenes de semitonos creadas con tramas de puntos para su composición).

Características del punto:

  • – Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo.
  • – Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto y construyen un vector direccional.
  • – Da lugar a la creación de otros conceptos como el color cuando aparecen varios puntos en el mismo campo visual.

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La línea:
Sirve para conectar dos puntos en el espacio. Podemos definirla como la unión o aproximación de varios puntos. Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos. Su presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto.

Además la línea separa planos, permitiendo crear diferentes niveles y volúmenes. La línea puede tener múltiples significados y distintas formas de expresiones, desde la conformación de figuras a otros significados como acción, dirección, movimiento, estabilidad… dependiendo de sus distintos grosores o valores también variará su significado. Es uno de los elementos gráficos más utilizados, ya que definen y delimitan las diferentes áreas de nuestra composición, además dirige la dirección de lectura dentro de una composición, haciendo que el espectador observe el lugar adecuado.

Es un elemento indispensable en el espacio gráfico, tanto para la materialización y representación de ideas, como para la notación. Tiene, en el grafismo, la misma importancia que la letra en el texto. Los elementos de la línea que con mayor facilidad podemos analizar y percibir son: el espesor, la longitud, la dirección con respecto a la página, la forma (recta o curva), el color y la cantidad. La constancia y la variabilidad afectan al conjunto de las dimensiones antes citadas, aunque también pueden referirse a la distinción entre la línea continua y la línea de puntos o a la naturaleza de los bordes (irregulares o lisos). Color y valores, forma y cantidad también son variables de uso del trazo.

Existen distintos tipos de líneas:

Horizontal: línea del reposo, por ejemplo el mar.

Vertical: Línea de la persona en equilibrio. Posee más tensión.

Diagonal: Línea de movimiento.

Curvas: Supermovidas, sobretodo la espiral.

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El ritmo interno son las líneas imaginarias que vemos sobre una imagen. Es el responsable de ver el movimiento. Si los ritmos internos los cambio entre sí, nos dan formas que ya conocemos.

El plano:

El plano es un espacio geométrico, que sólo posee dos dimensiones, y contiene infinitos puntos y líneas.

Un plano queda definido por los siguientes elementos geométricos:

  • Tres puntos no alineados.
  • Una recta y un punto exterior a ella.
  • Dos rectas paralelas.
  • Dos rectas que se cortan.

Tipos:

  • Rectángulo Áureo (dorado): Se consideró una proporción casi divina. Se encuentra en el Partenón y hasta en un paquete de tabaco.

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  • Forma Circular: “Tondo”. Se considera como círculo símbolo de la percepción.
  • Triángulos: Cuando poseen los dos lados iguales son muy equilibrados, pero poseen más dinamismo que los cuadrados y los círculos. Cuando no se apoyan se vuelven superdinámicos, igual que el resto de figuras.

El color:

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano receptor.

El ojo humano sólo percibe el color cuando la iluminación es abundante. Con poca luz vemos en blanco y negro.

El color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

Colores primarios aditivos: Los primarios aditivos son el rojo, el verde, y el azul. Permiten generar los demás colores del espectro visible por medio de la compilación de emisión de luz de diferente longitud de onda, como por ejemplo puntos en una pantalla. La ausencia de los tres da el negro, y la suma de los tres da el blanco (luz blanca). Estos tres colores se corresponden con los tres picos de sensibilidad de los tres sensores de color en nuestros ojos.

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Colores primarios sustractivos: Los primarios sustractivos son el cyan, el magenta y el amarillo, comúnmente confundidos con azul, rojo y amarillo por su similitud. Se utilizan para generar los otros colores cuando se mezclan sobre un fondo blanco en ausencia de los tres, que se volvera negro cuando los tres estén presentes en forma pura. Se aplican comúnmente en forma de pinturas o tintas como las que podemos encontrar en una moderna impresora de inyección de tinta.

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Los colores secundarios son los que se obtienen mezclando a partes iguales los colores primarios, de dos en dos:

Colores primarios en mezcla aditiva (Luz)

  • rojo más verde = Amarillo.
  • verde más azul = Cian.
  • azul más rojo = magenta.

Colores primarios en mezcla sustractiva (pigmento)

  • magenta más cian = Azul.
  • magenta más Amarillo = Rojo.
  • Amarillo más cian = verde.

Los colores cálidos suelen ser los rojos, amarillos, naranjas; y los fríos los azules, verdes y violetas.

Los colores cálidos normalmente se ven más grandes, se perciben antes y más cerca, es como si se expanden. Al contrario que ocurre con los fríos que se ven más pequeños y más lejos, como si se contraen. La excepción es el blanco que atrae mucha luz y por eso se ve más grande.

Los colores nos muestran muchas más cosas de las que nos imaginamos. Por ejemplo, los colores nos transmiten emociones. El verde suele dar tranqilidad, relajarnos; y el rojo por el contrario nos altera, nos pone nerviosos.

Además también son representaciones de la cultura de cada uno. Por ejemplo, en la religión católica las novias suelen ir de blanco para representar la pureza; pero en otra religión las viudas se vestian también de blanco.

Peso visual:

Como en la naturaleza o el universo, el peso visual es el que determina, en última instancia, el poder de atracción gravitatoria de cada elemento de la composición.

El peso visual es una cualidad del objeto que difícilmente puede medirse, dado que son muchos los factores que influyen en él alterando toda posible cuantificación.

En el peso visual influyen, entre otros, los siguientes factores:

– Tamaño. A mayor tamaño corresponde mayor peso.

– Color. Los colores cálidos, como el rojo, pesan más que los fríos, como el azul.

– Ubicación:

. Una posición fuerte sobre la armazón estructural (es decir, bien centrada o en coincidencia con alguno de los ejes principales horizontal-vertical y las diagonales) puede aguantar más peso que otra descentrada o alejada de dichos ejes.

. A mayor profundidad o lejanía, también corresponde mayor peso.

. Arriba pesa más que abajo.

. A la derecha pesa más que a la izquierda.

– Tono:

. Los tonos claros sobre fondo oscuro pesan más que los oscuros sobre fondo claro

. A igualdad de fondo, es más pesado el tono que más contraste.

. Una zona negra tiene que ser mayor que otra blanca para contrapesarla.
– Forma:

. La forma regular es más pesada que la irregular.

. La compacidad de la forma respecto a su centro es más pesada que la dispersión de la misma.

. La orientación vertical es más pesada que la oblicua, y ésta, a su vez, es más pesada que la horizontal.


Lo que diferencia al peso visual del resto de las fuerzas visuales es que se trata de una característica intrínseca de cada elemento de la composición, mientras que otras fuerzas pueden actuar con independencia del objeto que las produce o sobre el que se aplican.

TEMA 1: PERCIBIR, MIRAR, VER…

Percibir, mirar, ver, poder contar, no tener miedo.

La visión: el origen de toda percepción visual es la luz, una onda que nos llega del Sol en general y es blanca. La luz es blanca por la suma de las distintas longitudes de onda, los colores. Los colores no existen sino que cuando vemos un color es la longitud de onda que refleja; por ejemplo: cuando vemos el negro es que no hay color, no refleja ninguna longitud de onda, y cuando se ve el blanco es que refleja toda la luz, todos los colores.

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La concepción moderna del color nació con el descubrimiento de la naturaleza espectral de la luz que hizo Isaac Newton en el siglo XVII.

Newton creía que la luz era un flujo de partículas. Sus experimentos con prismas de cristal demostraron que la luz se podía fraccionar en varios colores individuales. Es más, llegó a la conclusión de que las luces de distintos colores tenía diferentes grados de refracción; por ejemplo, la luz azul se desviaba más que la roja al pasar del aire a un medio con un índice de refracción mayor, como es el caso de un prisma de cristal.

Ahora sabemos que los famosos experimentos de Isaac Newton demostraban que la luz blanca estaba formada por energía de distintas longitudes de onda.

Dentro del espectro de luz visible, ciertas longitudes de onda nos causan determinadas sensaciones visuales. Así, por ejemplo, las longitudes de onda más cortas se perciben como colores violetas o azulados. Sin embargo, es importante entender que el uso de expresiones como “luz azul” es sólo una cuestión de comodidad expresiva que no se contradice con el hecho de que el color sólo existe realmente en nuestra mente.

La luz se propaga en línea recta y se puede observar a través de los ojos. En ellos los objetos se ven reflejados en la retina, concretamente en la fovea.

Tenemos visión binocular puesto que tenemos dos ojos, de las cuales llega una imagen un poco distinta y el cerebro es el que mezcla las dos imagen y da como resultado lo que apreciamos. Desde que nos llega el estímulo hasta que lo percibimos existen unos procesos internos, mentales.

El ojo humano es sensible a una amplia franja de longitudes de onda situadas entre los 380 y los 780 nanómetros, aproximadamente. El espectro de luz visible o espectro cromático representa sólo una mínima fracción de todo el espectro electromagnético.

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Existen más órganos asociados a la visión, aunque este sea el principal.

El sentido del tacto o mecanorecepción es aquel que permite a los organismos percibir cualidades de los objetos y medios como la presión, temperatura, aspereza o suavidad, dureza, etc. En el ser humano se considera uno de los cinco sentidos básicos.

Dónde existe mayor sensación del tacto es en la lengua, por eso los bebés tienden a llevarse cualquier objeto a la boca, y no en las manos como se suele pensar.

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Los receptores se estimulan ante una defor­mación mecánica de la piel y transportan las sensaciones hacia el cerebro a través de fibras nerviosas. Los receptores se encuentran en la epidermis, que es la capa más externa de la piel, y están distribuidos por todo el cuerpo de forma variable, por lo que aparecen zonas con distintos grados de sensibilidad táctil en función del número de receptores que contengan.

Existe una forma compleja de receptor del tacto en la cual los termi­nales forman nódulos diminutos o bulbos terminales; a este tipo de recepto­res pertenecen los corpúsculos de Pacini, sensibles a la presión, que se encuentran en las partes sensibles de las yemas de los dedos. El tacto es el menos especializado de los cinco sentidos, pero a base de usarlo se puede aumentar su agudeza; como los ciegos, para leer las letras del sis­tema Braille.

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Esferas preceptúales más precoces en el desarrollo humano:

Somático: El cuerpo funciona como sentido. Por ejemplo, si tienes un tío gordo y uno delgado, aunque cierres los ojos vas a saber distinguirlos perfectamente.

Vibratorio: Percepción del entorno, cuando se mueve te induce a moverte a ti también, Por ejemplo, en una discoteca cuando suben el volumen y vibra todo, te conduce a que te muevas.

Vesicular: Percepción de todo el entorno. Por ejemplo, cuando nos subimos a una atracción y nos ponen bocabajo, hay veces que nos pueden dar mareos.

Ver es interpretar lo que estamos viendo. Lo que vemos es el resultado final tanto de lo que capta el ojo humano como del proceso mental, como resultado da la construcción de una imagen.

El cerebro posee un esquema para cosa por eso cuando nos nombran una palabra somos capaces de asociarla con la imagen, aunque no la veamos, a través de ese esquema. También me permite ver cosas distintas y relacionarlas con el mismo esquema. Por ejemplo, los perros de distintas razas.

Las leyes de la percepción fueron enunciadas por los psicólogos de la gestalt,(Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka); quienes en un laboratorio de psicología experimental observaron que el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades de acuerdo con ciertas leyes a las que denominaron “leyes de la percepción”. Estas leyes enuncian principios generales, presentes en cada acto perceptivo demostrando que el cerebro hace la mejor organización posible de los elementos que percibe, y asimismo explican cómo se configura esa “mejor organización posible” a través de varios principios: Las leyes de la gestalt.

Ley de la proximidad: En igualdad de las demás condiciones, tendemos a percibir como juntos (o como un mismo objeto) los elementos más próximos en el espacio o en el tiempo.

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Ley de la semejanza: En igualdad de las demás condiciones, tendemos a percibir como parte de una misma estructura u objeto los elementos semejantes.

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Ley del cerramiento: En igualdad de las demás circunstancias, tendemos a clausurar las brechas existentes en una posible figura con líneas incompletas.

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Ley de la buena continuidad: En igualdad de circunstancias, tendemos a percibir como parte de una misma figura los estímulos que guardan entre sí una continuidad de forma.

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Ley del movimiento común: En igualdad de circunstancias, tendemos a percibir como grupo o conjunto aquellos elementos que se mueven conjuntamente o se mueven del mismo modo, o que se mueven reposadamente respecto a otros.

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Ley de pregnancia: En igualdad de circunstancias, tendemos a percibir como unidad aquellos elementos que presentan el mayor grado de simplicidad, regularidad y estabilidad (buenas formas).

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Ley de la experiencia: La experiencia previa del sujeto receptor interviene, junto con los aspectos citados anteriormente, en la constitución de las formas percibidas.

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Ley de fondo-figura: Es más fácil apreciar el fondo o figura con mayor fuerza sobre la otra.

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Las ilusiones ópticas son imágenes ‘especiales’, que cambian según como las mires o con alguna trampa… Normalmente son cosas que vemos pero no existen, ya que el cerebro las interpreta de esta forma y no puede dejar de hacerlo.

Lo que se encuentra en vertical se ve mucho mas largo que algo que está en horizontal. También existe ilusión óptica cuando vemos una imagen que se mueve pero en realidad se encuentra completamente quieta.

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En la percepción además de las leyes de la Gestalt y las ilusiones ópticas influyen también otros aspectos como son:

Aspectos no conscientes: Los recorridos de la mirada, ya que hacemos pequeño movimientos. La atención al reclamo por eso en los anuncios suelen poner a personas ligeritas de ropa aunque no tengan nada que ver con lo que se anuncia. Existen contenidos subliminales ya que existen argumentos machistas y eróticos. En los prejuicios influye mucho la cultura, la forma de vestir o la belleza…

Aspectos culturales: Tenemos formas de ver las cosas que no soy la verdadera realidad. Por ejemplo, la nieve la vemos preciosa y romántica y en realidad es el sitio donde te puedes quedar congelado en muy poco tiempo. También tenemos códigos y símbolos inconscientes, como el color negro que interpreta el mal. Los contextos culturales varían mucho. Por ejemplo, en semana santa ver nazarenos es algo habitual, pero verlo en verano impacta mucho.

Aspectos subjetivos: Depende de forma de ver las cosa cada persona. Por ejemplo, una playa de noche a alguien le puede suponer una sensación muy bonita y a otras una noche de terror; o las alturas.

Esto nos lleva a la percepción como fenómeno inteligente. Vemos desde la cultura y el lenguaje, por ejemplo: si sabes chino entenderás una palabra en chino, sino solo veras trazos. Nunca podremos saber lo que ven los demás, ni nunca vemos realmente lo que tenemos delante, ya que cada uno lo interpreta de su forma.

Los niños desde pequeños van seleccionando lo que ver. Podemos convertir la mirada en una búsqueda de cosas nuevas, y no en el simple echo de ver.

La visión poética es una forma de mirar y contar algo nuevo. Se trata de aprender a ver, comprenderlo y después contarlo. Hay que aprender a perder los miedos y estar abierto a todo.

Existen tres modos de afrontar la frustración:

  1. Lo considero terrible y como no soy capaz de afrontarlo, lo ignoro.
  2. Me defiendo, búsqueda de un culpable o me autoinculpo.
  3. Buscar soluciones, la busco solo o con alguien que sepa.

En definitiva, todo tiene varias formas de verse, y depende de muchos factores como el estado de ánimo; por eso hay que intentar ver más haya de lo que se percibe.

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En este tema vamos a aprender cómo la plástica nos va a servir para cambar la forma de pensar.

La escuela debería ser fascinante y no para fascinarte que es lo que es hoy en día.

Vivimos en una sociedad llena de imágenes, y están en todas partes. Muy especialmente se encuentran en la pantalla. No podemos dejar de ver imágenes, por lo que tenemos que aprender a usarlas y comprenderlas; y también, a veces, a protegernos de ellas. La información visual es muy importante, alrededor de un 80% de toda la información es visual.

Lo primero que vamos a aprender en plástica es a visualizar las cosas, aprender a ver para poder ver lo que realmente quieren decir.

Las imágenes normalmente sirven para manipular nuestras emociones, para comprar… A demás, el mundo lo construimos a través de las imágenes (por ejemplo: el día de mi primera comunión, el día de mi bautizo… Esto lo conocemos a través de imágenes porque de otra manera no sabríamos como había sido).

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El poder de la imaginación está ahora mismo en el tamaño. No es lo mismo desarrollar la imaginación en medio folio que en un mural entero.

Desde pequeños, en los dibujitos y en toda la realidad, nos enseñaban que el que verdaderamente dominaba era el hombre respecto a la mujer. La mujer solía ser más torpe y casi siempre la ama de casa, y se podía usar como objeto sexual en anuncios por ejemplo.

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La escuela sirve para enseñar a vivir. Lo visual es como soy, como me visto, como me muestro hacía los demás. (por ejemplo: en una tribu todos los ocupantes se comportan de la misma forma. Tatuajes, pricing, ir de botellón; todo influye)

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Los niños deben de saber involucrarse en lo qe estáncontando, es decir, que es muchísimo mejor que hablen de ellos mismo, a que hablen de gente que no conocen. Por ejemplo: cuando se les pide que cuente una historia, es mejor que cuenten lo que han echo ellos un día de campo o en su cumpleaños.

La creatividad es necesario para la libertad. La gente que no son creativas no son capaces de ver más haya de lo que dice el que tiene al lado, o en lo que se basa. Mucha gente se cree más los anuncios de algún centro comercial que lo que puede decir la etiqueta del producto, o alguien que ya lo ha usado. La creatividad sirve para no repetir todo lo que no dicen los demás.

Gran parte del conocimiento se da en imágenes, por ejemplo cuando se ven películas; ya que el cerebro funciona a través de imágenes. El cerebro posee mayor capacidad de contener los hechos por medios de imágenes.

A demás de todo esto, sirve para la creación plástica. Todos los niños, incluyendo aquellos tan pequeños que todavía no saben hablar, saben expresarse pro imágenes y esto influye favorablemente en su desarrollo psicomotor.

Las imágenes no sólo nos cuentan cosas o nos provocan sensaciones, sino que se encuentran por todas partes y nos construyen poco a poco.

Tercera Prueba

  • ¿Para qué sirve la Educación Artística?

Sirve para poder expresarte con claridad, para saber interpretar elementos de manera distinta. Tambíen la podemos utilizar para crear formas nuevas, para expresar sentimientos, ampliar imaginación, creatividad; hacer visible la realidad propia, desarrollar faceta artística, como si tiene vocación, relajarse..

 

  • ¿Para qué me ha servido la Educación Artística?

A mí personalmente me ha servido para crear formas geométricas nuevas e innovar con eso, es decir, para desarrollar un poco más la imaginación. Además también puede servir para relajarse, torturarse, puede ser divertido/complejo, para jugar, para interesarse por la cultura (love painting) o para nada.

 

  • ¿Para qué nos sirve ahora mismo?

Ahora mismo no sirve para mucho, para ver conceptos distintos de algo. Puede servir para hacer manualidades, para tener mayor imaginación, para nada, no se sabe bien para qué, para ver el sentido de los colores, para el arte…

 

De toda la clase solo 6 personas hacen cosas a partir de la plástica, aunque ésta en verda nos va a servir para cambiar la forma de pensar.

Segunda Prueba

  • Dibujar una silla

El dibujar una silla es subjetivo, ya que sabemos que una silla tiene una ”base común” pero después viene la interpretación de cada alumno.

Un compañero sale a puntuar las sillas y a algunas le das mayor nota porque le parecen más bonitas. Con esto aprendemos como califica un maestro, ya que la escuela te enseña a que todos deben de ser iguales: Lo verdaderamente importantes es que cada uno sea como es. Ademàs existen veces que el alumno no sabe lo que se le pide o no lo tiene claro, asi como va a responder correctamente.

Todo puede ser de cualquier manera y que cada uno va a responder diferente a todas las cuestiones dado que no todas las personas ven de la misma forma una situación.

La realidad es relativa, es decir, que la realidad del maestro va a ser distinta a la realidad del niño (depende de la edad, las circunstancias donde viven…).

Primera Prueba Inicial

  • ¿Qué materìas se dan en la escuela?

Las Matemáticas se aprenden para poder comprar por ejemplo.

Lengua se da para saber expresarse, poder hablar, controlar la ortografía, comunicarse..

Inglés es fundamental hoy en día, puesto que es el idioma básico.

Conocimiento del medio (cono) para tener un conocimiento general de las cosas.

La Música culturiza, sobretodo la música clásica; para saber el hinmo de la comunidad autónoma.

Plástica desarrolla las habilidades del niño.

E.Física es bueno para la salud y para poder relacionarte.

La Tecnología no tiene importancia, al igual que el Ballet.

Religión es optativa.

Informática para familiarizarte con las nuevas tecnologías, saber teclear y hacer blogs, también pueden caer en el enganche de internet..

 

Aquí podemos observar que todo lo que se da en la escuela podría ser diferente para poder aprender lo que necesariamente es fundamental que un alumno aprenda para el resto de su vida.

Al fin y al cabo, se estudia lo que una empresa privada quiere, ya que son los que hacen los libros de textos por los cuales un maestro se basa para enseñar a sus alumnos.

Lección prática para maestros: Antes de ponernos a enseñar hay que saber que es lo importante y que se quiere enseñar.

Cuanto más aprendan los niños muchísimo mejor, lo que ocurre es qu actualmente se enseña muy mal en las escuelas. Por ejemplo: las raices cuadradas sólo se utilizan en la educación, después en la vida de una persona no utiliza más éstas raices.

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